Au-delà de la dichotomie « sensibilité ou théorie » — La véritable valeur de l'approche logique pour approfondir l'expressivité pianistique

Récemment, j'ai reçu un commentaire sur une courte vidéo que j'ai publiée sur Instagram et YouTube, disant : « Si vous enseignez de manière aussi analytique et mécanique, cela ne deviendra-t-il pas des mathématiques plutôt que de la musique ? » J'ai trouvé que c'était une question intéressante et cela m'a donné l'occasion d'y réfléchir sérieusement.

« Analyser l'expression, n'est-ce pas musical ? »

Cette fois, je souhaite partager avec vous, avec passion et sincérité, ma réponse en tant qu'enseignante et interprète, et expliquer pourquoi nous devrions approfondir l'expression à travers « l'analyse ».

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1. L'effort de « quantifier » et de « structurer » l'émotion détruit-il la musique ?

Je comprends très bien que l'on puisse ressentir que l'analyse et l'enseignement mécanique de la « façon de chanter » ou de la « façon de mener une phrase » transforment la musique en mathématiques plutôt qu'en musique.

Cependant, je vous invite à y réfléchir un instant.

« Pourquoi ressentons-nous de la "beauté" ou une "émotion forte" lorsque nous écoutons une interprétation particulière ? »

En fait, dans le monde des instituts de recherche mondiaux et de la psychologie acoustique, la vitesse du toucher de l'interprète, l'accélération de la frappe, la superposition des sons (harmoniques), l'agogique subtile (fluctuation de tempo) entre les phrases, sont minutieusement quantifiées, et la recherche sur les propriétés acoustiques (éléments constitutifs) que l'esprit humain perçoit comme « chaleureuses » et « émouvantes » progresse.

Un exemple familier serait les composants umami dans le « fromage affiné » ou la « sauce soja riche ». Une cuisine délicieuse a toujours une « base scientifique de l'umami ». Cela dit, personne ne penserait : « Ce plat n'est pas bon parce qu'il a été analysé scientifiquement » ou « Éliminons les composants umami », n'est-ce pas ?

Il en va de même pour la musique. Derrière une « interprétation que les gens trouvent belle », il existe toujours une logique physique et cinématique. L'analyser et la décrypter ne transforme en aucun cas la musique en un calcul inorganique.

2. Pourquoi la « guidance basée uniquement sur le ressenti » a-t-elle ses limites ?

Et si nous nous contentions de dire : « Si vous ne le ressentez pas, vous ne pouvez pas l'exprimer » ?

Il existe des personnes dites « géniales » qui sont naturellement dotées d'une sensibilité écrasante. Cependant, pour les autres, ou pour les élèves qui rencontrent des difficultés avec une mélodie ou une phrase spécifique, et qui se disent : « Je ne sais vraiment pas comment la chanter » ou « Je ne trouve pas de point de départ pour l'expression », leur lancer des platitudes comme « Ressentez plus ! » ou « Mettez-y de l'émotion ! » est tout simplement irresponsable.

J'ai moi-même toujours eu un fort désir de jouer d'une certaine manière, mais je n'ai pas toujours pu ressentir à 100% chaque partie de chaque œuvre. C'est grâce à mes professeurs qui ont déconstruit logiquement pourquoi il fallait mettre en valeur telle note à tel endroit, ou comment déplacer le poids du corps pour obtenir tel son, que ma vision s'est élargie pas à pas, et que j'ai finalement pu ressentir la musique avec tout mon corps.

La « logique » pour élargir le monde

Le véritable objectif de l'analyse est de repousser le « mur » dans le cœur de l'élève pour lui montrer de nouveaux paysages qu'il n'avait jamais vus auparavant.

Analyse logique (comprendre où et comment jouer pour obtenir une belle sonorité)
Pratique correcte des mouvements corporels (faire résonner en accord avec la mécanique et la structure)
Écouter cette sonorité avec l'oreille (ressentir le beau son né de ses propres mains)
Épanouissement de la sensibilité (le cœur est touché par un « Ah, c'est ça ! »)

Même si l'approche commence par l'intellect (analyse), au moment où un beau son résonne, l'émotion humaine suit inévitablement. L'analyse n'est pas un cadre qui emprisonne la sensibilité, mais la meilleure clé pour la faire émerger.

3. Pour une éducation axée sur la vie et l'avenir de l'élève, et non sur « l'instant présent »

Dans l'éducation musicale, ce qui me préoccupe le plus, c'est le « perfectionnement de dernière minute » ou « l'enseignement uniquement pour une évaluation immédiate ».

Le style d'enseignement que l'on observe parfois dans les concours japonais, qui consiste à « déformer la sensibilité pour plaire aux jurys ou à certains professeurs », pourrait priver les élèves de leur future vie musicale.

Enseigner ne se limite pas à transmettre la manière de jouer du piano ; c'est une démarche qui vise à élargir la façon de vivre et la vision du monde de l'individu.

Si l'on peut analyser, comprendre et exprimer soi-même « pourquoi on joue ainsi », on pourra, sans dépendre de personne, déchiffrer une partition et construire un monde sonore magnifique par ses propres moyens, quelle que soit la musique rencontrée à l'avenir. Ma passion en tant qu'enseignante est de leur donner de fortes « ailes » pour qu'ils puissent parcourir le chemin de la musique de leurs propres pas, pendant de nombreuses années.

4. Pour ne pas être manipulé par l'information : le processus pour « faire sienne » la connaissance

Avec la prolifération des réseaux sociaux, il est devenu facile d'accéder à des informations sur les techniques et les astuces. Cependant, parmi les informations qui circulent, il n'est pas rare de trouver des choses mal fondées ou des théories basées sur le courage qui peuvent induire en erreur.

L'important ici est de ne pas « prendre pour argent comptant les connaissances entendues ».

La connaissance n'a aucun sens si elle reste simplement dans la tête.

L'expérimenter soi-même
Observer les changements sur son corps et le son
Juger si c'est bon pour soi

Ce n'est qu'en pratiquant ainsi que la connaissance devient votre « véritable force ». Je vous encourage vivement à essayer sur votre propre piano l'approche que je propose concernant la vitesse de frappe, l'utilisation des doigts et la mécanique du corps. Et d'intégrer comme un bien précieux ce que vous avez pu « ressentir, ah, le son a vraiment changé ! ».

En conclusion : Là où la logique et la passion se rejoignent

« Analyser » et « être musical » ne sont absolument pas des concepts opposés.

Lorsqu'une « logique » d'analyse approfondie est imprégnée d'une « émotion » débordante, l'interprétation devient le summum de l'art qui touche le cœur de l'auditeur.

Lorsque vous êtes bloqué dans votre pratique ou votre expression, ne vous fiez pas uniquement à l'émotion, mais analysez calmement la partition et les mouvements du corps. Au-delà de cette approche logique, un monde musical profond et riche vous attend.

Que votre temps de piano aujourd'hui soit rempli de merveilleuses découvertes.

Haruka Ogawa

Est-ce que l'analyse du « musical » n'est pas musicale ?